Quali sono le opere più scandalose del mondo

Apr un post dove poter inserire le opere ritenute più scandalose al mondo.
Che siano quadri, sculture o oggetti di altro genere, qui potranno essere inserite le opere che hanno scandalizzato l’universo dell’arte e non solo.

Parto da un artista che non necessita di presentazione,
Michelangelo Merisi detto Caravaggio.

Caravaggio, La Madonna dei Palafrenieri , 1605-1606, Roma, Galleria Borghese
olio su tela, cm 292x211


Il dipinto fu commissionato dalla Confraternita dei Palafrenieri per il proprio altare, dedicato a Sant'Anna, nella nuova basilica di San Pietro.  L'opera rimase nella sede originaria solo pochi giorni, per essere poi trasferita nella chiesa di Sant'Anna dei Palafrenieri, e infine acquistata dal cardinale Borghese.
Sono ancora incerte le cause della sua rimozione dall'altare: forse per motivi di decoro - vista la prorompente scollatura della Vergine e la nudità di un bambino non più in fasce - oppure per ragioni di carattere teologico, o più probabilmente per assecondare il desiderio di possesso del cardinale Borghese, nella cui collezione subito dopo il dipinto entrò a far parte.
Caravaggio illustra il tema dell'Immacolata Concezione dipingendo la Vergine, simbolo della Chiesa, mentre schiaccia il serpente del Peccato aiutata dalla spinta del piede del Figlio. Accanto a loro, ma in posizione più distaccata, compare Sant'Anna, personificazione della Grazia: proprio questa apparente separazione della Grazia dall'opera di salvezza dell'umanità, in anni di acceso dibattito in seno alla Controriforma, poteva essere guardata con sospetto. Quali che furono i motivi reali, il cardinal nepote riuscì ad ottenere il dipinto per una cifra irrisoria.




Una Vergine ritratta con i connotati di una popolana, con un’ampia scollatura che lascia intravedere il petto, mentre si china a sorreggere un bambino completamente nudo, è intenta a schiacciare il Serpente del Peccato, aiutata dal piede del Figlio.
Il volto della Madonna dei Palafrenieri ricordava quello di Maddalena Antognetti, detta Lena, modella e amica di Caravaggio. Accanto a loro, una Sant'Anna, simile ad un’ "enorme figura bronzea”, quasi estranea alla scena, segue l’azione solo con lo sguardo.

Certamente il seno di Lena offerto alla vista degli spettatori non dovette piacere all’Arciconfraternita dei Palafrenieri che aveva commissionato il dipinto per il proprio altare, dedicato a Sant’Anna, nella nuova Basilica di San Pietro. L’opera, pertanto, rimase nella sede originaria solo pochi giorni, prima di essere trasferita nella Chiesa di Sant’Anna dei Palafrenieri e infine acquistata dal cardinale Borghese.

Antonio Canova, Paolina Borghese come Venere vincitrice, una delle sculture più belle da lui realizzate.




La scultura, sublime, conservata oggi alla Galleria Borghese di Roma, era stata commissionata nel 1804 all’artista di Possagno proprio da Camillo Borghese per celebrare il suo matrimonio con Paolina. Quando la donna posò per lo scultore aveva venticinque anni. Canova ultimò l’opera nel 1808.






Il capolavoro fu trasferito nella residenza di Camillo a Torino, dove suscitò molto scalpore a causa dell'eccessiva sensualità del soggetto. Numerosi pettegolezzi fiorirono intorno alla nudità della scultura e all’eventualità che la principessa avesse posato senza veli per l’artista (lei stessa avrebbe affermato “ogni velo può cadere dinanzi al Canova”).
Paolina è ritratta come Venere, vincitrice del giudizio di Paride, come suggerisce la mela che reca in mano.






«Camillo, vorrei pregarvi di farmi un piacere...So che talvolta consentite a qualcuno di vedere la mia statua di marmo. Sarei lieta che questo non accadesse più, perché la nudità della scultura sfiora l'indecenza. È stata creata per il vostro piacere, ora non è più così, ed è giusto che rimanga nascosta agli sguardi altrui». Così il 22 gennaio 1818 Paolina Bonaparte, la bella sorella di Napoleone, scriveva al consorte, il principe romano Camillo Borghese, per chiedere di nascondere la Paolina Borghese come Venere vincitrice, la scultura neoclassica eseguita da Antonio Canova tra il 1804 e il 1808, esibita agli ospiti nell'abitazione del principe.



E così, nonostante fosse costata al principe ben seimila scudi, nel 1820 Camillo Borghese decise di rimuoverla dalla sua collocazione e di chiuderla in una cassa.
D’altra parte, dopo il tramonto dell'era napoleonica l'opera appariva totalmente decontestualizzata. Esaltando la bellezza di Paolina, infatti, la scultura celebrava implicitamente anche i Bonaparte, perdendo pertanto di coerenza dopo Waterloo.

In un elenco del genere non può mancare L'origine del mondo...

axis ha scritto:In un elenco del genere non può mancare L'origine del mondo...

Non manca stai tranquillo....

Intanto ti presento l'opera di Goya e la sua gemella.

Francisco Goya, Maja Desnuda, 1797-1800, Olio su tela, 190 x 97 cm, Madrid, Museo del Prado




Quando, intorno al 1790, Goya realizzò la sua Maja Desnuda - il ritratto sconcertante di una donna senza veli adagiata fra lenzuola stropicciate ad esibire con sguardo ammiccante e disinibito la propria sessualità allo spettatore - in Spagna le immagini di nudo erano proibite dalla Chiesa e punite dall'Inquisizione. Solo un potente come Manuel Godoy, il suo nobile committente, poteva sfidare impavido le disposizioni del Sant' Uffizio e tenersi nel suo gabinetto privato un quadro così conturbante.

Ma quando nel 1807 Godoy cadde in disgrazia il nuovo re Ferdinando VII si appropriò della sua collezione di dipinti. Il 16 marzo 1815 la Camera Segreta dell'Inquisizione ordinò: "... che si chiami a comparire davanti a questo tribunale il detto Goya perché le riconosca e dica se sono opera sua, con che motivo le fece, per incarico di chi e che fine si proponesse". In quell’occasione il pittore riuscì ad evitare la condanna grazie all'intercessione del cardinale Luigi Maria di Borbone-Spagna, ma la sua Desnuda, fu sequestrata in quanto ritenuta "oscena".

Il dipinto sparì dalla circolazione fino all'inizio del XX per trovare collocazione, assieme alla più “casta” e contemporanea Maja vestida, alla Real Academia de San Fernando. L’opera continuò a suscitare scandalo anche negli anni Trenta, quando le Poste spagnole le dedicarono un francobollo. I direttori degli uffici postali americani si rifiutarono addirittura di accettare la corrispondenza affrancata da un riferimento ritenuto così offensivo e ostile alla pubblica decenza.
Dal 1910, assieme alla Maja vestida, l’opera è esposta al Museo del Prado di Madrid.

Ecco l'altra opera, la Maja Vestida

Gustave Courbet, L'origine del mondo, 1866, Olio su tela, 55 x 46 cm, Parigi, Museo d'Orsay



Attrazione e repulsione. È in questa dicotomia che si muove l’opera di Courbet da quando, nel 1866, il padre del realismo francese decise di elevare a soggetto di un suo dipinto una raffigurazione realistica dell’organo genitale femminile.
Il corpo della donna, abbandonato su un letto - ma del quale non vediamo il viso, volutamente omesso dal pittore - è visibile solo parzialmente, dalle cosce al seno. L'artista non trascura il legame con la tradizione di una pittura carnale e lirica racchiusa nelle pennellate ampie e sensuali che ci riportano alla pittura veneziana, accentuando piuttosto l’inno alla vita, alla sessualità, alla joie de vivre delle quali l’opera si fa interprete.
Dipinto su commissione per il diplomatico turco-egiziano Khalil-Bey (1831-1879), personaggio eccentrico, amante del lusso e della vita notturna, che aveva nascosto l’opera di Courbet in una stanza accessibile solo ad una ristrettissima cerchia d’eletti. Si hanno pochissime notizie sui passaggi successivi dell’opera prima che entrasse nelle collezioni del museo d’Orsay nel 1995, proveniente dalla raccolta di opere dello psicanalista Jacques Lacan. E fino a quel momento rappresenta il paradosso di un’opera famosissima ma poco vista dal vivo. Ciononostante la fama del quadro ha travalicato i confini della storia dell’arte diventando un’opera estremamente popolare. Il quadro di Courbet non ha mai smesso di generare scandalo e polemiche al punto da essere stata “colpita” più volte, anche in tempi recenti, dall’algoritmo di Facebook non l’ha riconosciuta come opera d’arte.

I Quadri delle facoltà sono una serie di dipinti realizzati dal pittore viennese Gustav Klimt fra il 1899 e il 1907 per il soffitto dell'Aula Magna dell'Università di Vienna.


Nel 1894 il Ministero per l'istruzione austriaco incaricò Gustav Klimt e Franz Matsch di realizzare di una serie di allegorie per il soffitto dell'Aula Magna dell'Università di Vienna eretta lungo la Ringstraße. Il tema scelto per il progetto era La vittoria della luce sulle tenebre e il lavoro era così suddiviso:

Klimt avrebbe realizzato tre dei quattro pannelli: la Filosofia, la Medicina e la Giurisprudenza
Matsch avrebbe curato la realizzazione dell'ultimo pannello, la Teologia, e della scena centrale, nella quale doveva essere celebrato il tema focale del progetto.

La volontà e lo scopo dei committenti era la glorificazione delle scienze razionali e dei loro effetti positivi in ambito sociale, ma Klimt si rifiutò apertamente di fornire una visione razionale del mondo. Probabilmente fu proprio questo il motivo dello scandalo che colpì l'ancora incompiuta Filosofia, il primo dei tre pannelli per l'Università di Vienna, durante la sua esposizione alla settima mostra della Secessione nella primavera del 1900.

L'opera realizzata si distanziava dalle aspettative dei committenti e fu giudicata sconveniente e offensiva; pareva che il tema fosse stato ribaltato e Klimt avesse realizzato «la vittoria delle tenebre sopra ogni cosa».
Gustav Klimt, influenzato anche dalla lettura di Arthur Schopenhauer e Friedrich Nietzsche, aveva cercato di dare una propria interpretazione all'enigma dell'esistenza umana. In queste opere Klimt aveva affrontato tematiche tabù come la malattia, la vecchiaia e la povertà in tutta la loro crudezza e il loro orrore, non lasciando spazio all'idealizzazione della realtà imposta fino a questo momento dalla morale comune.

Filosofia è il primo dipinto della serie per l’Università di Vienna. È un olio su tela (430x300 cm), realizzato fra il 1899 e il 1907 e andato distrutto nel 1945 nell'incendio del castello di Immendorf.



La Medicina è il secondo dipinto della serie per l’Università di Vienna. È un olio su tela (430x300 cm), realizzato fra il 1901 e il 1907 e andato distrutto nel 1945 nell'incendio del castello di Immendorf.



Giurisprudenza è il terzo dipinto della serie per l’Università di Vienna. È un olio su tela (430x300 cm), realizzato fra il 1903 e il 1907 e andato distrutto nel 1945 nell'incendio del castello di Immendorf.



Nonostante le aspre critiche che portarono alcuni rappresentanti dell’Università ad inviare una petizione al ministro dell'Istruzione, l'artista poté proseguire il proprio lavoro. Dopo la perplessità scaturita dalla colonna di corpi nudi galleggianti nel vuoto cosmico della Filosofia, il culmine dello scandalo arrivò con l’ultimo pannello, la Giurisprudenza che, pur segnando l’inizio del cosiddetto “periodo d’oro” di Klimt , suscitò una durissima reazione dell'opinione pubblica. La giustizia non veniva raffigurata come una gloriosa istituzione al servizio della società, ma al pari di una forza punitrice.

Le polemiche furono talmente aspre che, nel 1904, Klimt fu sconsigliato di presentare la sua Giurisprudenza all'esposizione mondiale di St. Louis. L'attività di ritrattista, finanziariamente remunerativa, permise a Klimt di non piegarsi alle richieste del ministero. Per questo motivo il 3 aprile 1905, profondamente deluso, rinunciò all'incarico delle allegorie e manifestò l'intenzione di ricomprare dallo Stato austriaco le sue stesse opere.

Grazie all'aiuto di August Lederer e Karl Wittgenstein, suoi ricchi committenti e sostenitori, Klimt riuscì a restituire l'onorario che gli stato anticipatamente versato. Lederer diventò proprietario della Filosofia, opera che destinò ad un'apposita stanza nel suo appartamento; a Wittgenstein spettarono le altre due allegorie. Queste opere, trasferite nel castello di Immendorf durante la Seconda Guerra Mondiale, sono andate distrutte a causa di un incendio appiccato dalle truppe tedesche in ritirata; soltanto di Medicina è rimasta una riproduzione fotografica a colori.

Altro capolavoro di Caravaggio che fece scandalo.

Morte della Vergine, 1604-1606,

Olio su tela, 245 x 369 cm, Parigi, Louvre




In questa opera l'artista dipinge il corpo morto di una Madonna priva di qualsiasi connotazione mistica, con il viso sconvolto, il ventre gonfio, un braccio abbandonato, ricordava addirittura quello di una prostituta trovata morta nel Tevere e di cui il Merisi aveva avuto notizia.

Il dipinto fu commissionato nel 1601 dal giurista Laerzio Cherubini per la propria cappella in Santa Maria della Scala, la chiesa più importante dell'ordine dei Carmelitani Scalzi a Roma. Nessun documento ci tramanda il momento in cui l'opera fu portata a compimento e consegnata, ma Caravaggio dovette lavorarci intorno al 1604, il che andava oltre la scadenza del contratto. Una volta terminato il dipinto fu però prontamente rifiutato, perché la Madonna non rispettava la sua iconografia classica: era anzi priva di qualsiasi tributo mistico, con la faccia terrea, un braccio abbandonato e il ventre gonfio.

Addirittura si disse che Caravaggio scelse, come modello per ritrarre la Vergine, una prostituta trovata morta nel Tevere. Molto scandalo, in particolare, fecero i piedi ritratti nudi fino alla caviglia.

La scena è inserita in un ambiente umile con al centro il corpo morto della Vergine, in primo piano la Maddalena, seduta su una semplice sedia, che piange con la testa tra le mani, e tutt'intorno gli Apostoli addolorati; l'intonazione cromatica molto scura è illuminata dal rosso della veste della morta e della tenda, elemento di una scenografia povera. Inoltre, la composizione degli apostoli, allineati davanti al feretro, forma, in linea col corpo e col braccio di Maria, una croce perfetta.